Fächerbeschreibung für Musicaldarsteller, Schauspieler und Theaterpädagogen


Ein übergreifendes Ausbildungskonzept – abwechslungsreich, fordernd, interdisziplinär, spannend.


Grundlagentraining.
Körperliches / Schauspielerisches Training: Schulung der Wahrnehmungsfähigkeit des Körpers, Präsenz auf der Bühne und Erreichen von präzisen und bewussten Bewegungen. Erlernen von Entspannungstechniken, Erweiterung der Phantasie und Imagination, Erarbeitung spielerischer Situationen auf der Bühne, Beziehung Raum-Körper-Musik, Schulung der Konzentrations- und Reaktionsfähigkeit, Entwicklung eines Bewusstsein für Haltung, Spannung, den Schwerpunkt einer Bewegung, Tempo- und Rhythmuswechsel im Raum.

Improvisation. Vermittlung von Methoden und Techniken, Schulung von Souveränität und Spontaneität auf der Bühne, Improvisieren mit Sprache, Körper und Gestik, Improvisieren mit Musik, Training verschiedener Körperlichkeiten und Emotionen.

Gesang. Atemtechnik( Grundlagen), Stimmübungen, Gesang im Ensemble/ Einzel, Unterschiede Gesangsstimme - Sprechstimme; Schulung und Kondition der Gesangsstimme, Übungen des Rhythmusgefühls, Singen nach Noten, Liedinterpretation und Präsenz auf der Bühne, Beziehung Text-Lied, Verschiedene Gesangsstile, Erarbeitung eines Gesangsrepertoir.

Tanz. Erlernen verschiedener Tanzstile wie z. B. klassischer Tanz, Stepptanz, kreativer Tanz, Zeitgenössischer Tanz und Tanz im Bereich Theater/Musical. Tänzerisches Bewegungs-training: Kondition und Musik, Schulung des Rhythmusgefühls, Arbeit im Team, Tanzen auf der Bühne, Tanz im Musical/Theater.

Sprechtechnik-Theorie. Theorie der Sprecherziehung, Erlernen der Lautschrift, Arbeiten mit Texten, Übungen zum dialektfreien Sprechen, Anatomie der Sprechwerkzeuge, Anatomie und Physiologie des Sprechens, Aussprache, Bühnendeutsch.

Sprechtechnik-Praxis. Atem und Stimme, Stimme und Artikulation im Zusammenspiel von Körperspannung und Atmung; Kondition und Stimme, Sprechen auf der Bühne, Körperstimmtraining, Umgang mit literarischen Texten, Übungen mit Partner- und Raumbezug, Artikulation und verschiedene Sprechtechniken, Rhythmus, Dynamik und Melodie des Sprechens auf der Bühne, Erstellen eines persönlichen Übungsplans, Textarbeit in Lyrik, Prosa und Sachtexten.

Szenenunterricht. Schauspielerische Arbeit im Dialog und Szene, Rhythmus im Spiel mit dem szenischen Partner. Darstellen von verschiedenen Rollen. Arbeit mit verschiedenen Textformen, Eigenarbeit an verschiedenen Szenen, Arbeit im Ensemble.

Theatergeschichte. Theorieunterricht über verschiedenen Epochen des Theaters. Arbeit an klassischen und modernen Theatertexten, Politik und Theater, Theater und Persönlichkeiten, Referate zu Epochen, Personen und Strömungen in der darstellenden Kunst, Dramen –und Textanalyse.

Rhythmus. Übungen in den Bereichen Rhythmik und Bodypercussion, soziale Interaktion, Improvisation in Musik und Bewegung, Ensemblearbeit mit Musik, Stimme, Sprache und Bewegung. Körper als Instrument.

Rollenunterricht. Erarbeitung verschiedener Rollen in Szenen und Monologen, eigenständiges Arbeiten am Rollenprofil, Zusammenspiel von Körper, Stimme und Emotionen einer Rolle, Darstellen unterschiedlicher Figuren, Arbeit mit unterschiedlichen Techniken z.B. Stanislawski, Grotowski und andere. Authentizität in der Rolle. Erarbeitung eines Rollenrepertoires für Vorsprechen und Prüfung.

Pantomime. Erlernen verschiedener Pantomime Techniken, Erarbeitung von Szenen, Schulung des Körper- und Bewegungsbewusstseins, Präzision im Umgang mit dem Körper, Wahrnehmungsschulung, Ausdruck und Präsens auf der Bühne ohne Sprache.

Performance. Eigenständiges Erarbeiten einer Gruppen­performance zu einem bestimmten Thema. Zusammen­schluss von Tanz, Sprache und Improvisation. Ensemble-Freiarbeit. Hinführung zu ersten eigenen Projekten. Anregung zur eigenen Regiearbeit. Dynamik in der Gruppe.

Clown. Kennenlernen der unterschiedlichen Clown Figuren in Theorie und Praxis. Bedeutung von Komik auf der Bühne. Klassische Clownarbeit mit Clownsentrees. Erarbeitung einer eigenen Clown Figur. Körperlichkeit des Clowns. Zusammenspiel im Ensemble. Erlernen verschiedener Slapstick Techniken. Hintergründe der Geschichte des Clowns.

Maskenspiel. Geschichte des Maskenspiels. Kennenlernen unterschiedlicher Maskentypen, Erarbeitung einer Figur mittels der Maske. Maske und Musik auf der Bühne. Szenisches Arbeiten mit Masken. Erarbeiten einer Szene im Ensemble. Verbindung zwischen Pantomime und Maskenspiel. Erarbeitung eines eigenen Maskentypus.

Coaching. Erlernen verschiedener Coaching Techniken. Spiegeln des Partners, Beobachten und Kopieren von Verhaltensweisen, Präsens und Rhetorik. Psychologie der gespiegelten Person. Schulung der präzisen und authen­tischen Spiegelung einer Person und Eigenwahrnehmung.

Theaterwissenschaften. Wissenschaftliche Betrachtung von Theaterformen, Epochen und Persönlichkeiten. Dramen– und Werksanalyse, Interpretation von Theatertexten.

Kinder-Jugendarbeit. Theaterpädagogik mit Kindern und Jugendlichen. Unterrichten von Kinder und Jugendgruppen (STAGE ACADEMY [JAS]), Erarbeiten eines Lehrkonzepts, Projektarbeit mit STAGE ACADEMY [JAS] Schülern.

 

 

JAS Education

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